Bauhaus

Significa en alemán "Casa de la construcción", fue utilizado para denominar la escuela de diseño, arte y arquitectura fundada en 1919 por Walter Gropius en Weimar (Alemania) y clausurada por las autoridades prusianas (en manos del partido nazi) en el año 1933.
Sus propuestas y declaraciones de intenciones participaban de la idea de una necesaria reforma de las enseñanzas artísticas como base para una consiguiente transformación de la sociedad de la época, de acuerdo con la ideología socialista de su fundador. La primera fase (1919-1923) fue idealista y romántica, la segunda (1923-1925) mucho más racionalista y en la tercera (1925-1929) alcanzó su mayor reconocimiento, coincidiendo con su traslado de Weimar a Dessau. En 1930, bajo la dirección de Mies van der Rohe, se trasladó a Berlín donde cambió por completo la orientación de su programa de enseñanza.
La Bauhaus sentó las bases normativas y patrones de lo que hoy conocemos como diseño industrial y gráfico; puede decirse que antes de la existencia de la bauhaus estas dos profesiones no existían como tal y fueron concebidos dentro de esta escuela. Sin duda la escuela estableció los fundamentos académicos sobre los cuales se basaría en gran media una de las tendencias más predominantes de la nueva arquitectura moderna, incorporando una nueva estética que abarcaría todos los ámbitos de la vida cotidiana: desde la silla en la que usted se sienta hasta la página que está leyendo (Von Eckardt).

Realismo Social

La corriente de realismo social que surgió con Turguéniev y Tolstói continuó desarrollándose durante las dos últimas décadas del siglo XIX y se extendió hasta la época de la I Guerra Mundial y las dos revoluciones de 1917, aunque ya en un modo bastante débil y alterado.

Realismo socialista

Estilo generado en la Unión Soviética en la década de 1930 con fines propagandísticos y que se difundió a otros países comunistas después de la II Guerra Mundial. Dicho movimiento, se fraguó en la extinta URSS durante la época de Iósiv Stalin y el primer paso hacia su establecimiento oficial fue en 1932, cuando el Comité Central del PCUS (Partido Comunista de la Unión Soviética) decretó que todos los grupos artísticos independientes se disolvieran en favor de las nuevas formaciones controladas por el reciente Estado. En el año 1934 el yerno de Stalin, Andrei Zhdánov, pronunció un discurso en el Congreso de la Unión de escritores soviéticos en el cual se afirmaba que el realismo socialista era la única forma de arte aprobada por el Partido. A partir de ese momento, los artistas fueron requeridos para suministrar un 'panorama históricamente concreto de la realidad en su desarrollo revolucionario'. Zhdánov también repitió la frase de Stalin que describía al artista como un 'ingeniero del alma humana'.

El soporte de esta teoría estética estaba fundado en los escritos de Marx, Engels y Lenin. La esencia del Realismo Socialista se desarrolló gradualmente desde esas premisas y sus preceptos se volvieron confusos a través de las subsiguientes críticas y comentarios del Partido. Broadly vino a decir que el artista debería pintar sucesos y personas reales desde una óptica optimista e idealizada que proporcionara la imagen de un futuro glorioso de la URSS bajo la era comunista. El arte debía ser accesible a las masas y tener un propósito social. En aquel momento, con las demostraciones de procesos y depuraciones de los oponentes políticos en la década de 1930, los artistas que no acataron los dogmas del realismo socialista fueron expulsados de su empleo, exiliados o asesinados. En severo contraste con el ambiente de la vanguardia de la década de 1920, todo arte formalista y progresista fue censurado como capitalista y burgués y desprovisto de cualquier relevancia para el proletariado.

Aunque el partido restringió drásticamente la libertad artística, hubo sin embargo una gran variedad de interpretaciones del realismo socialista en términos de estilo y de temática. Los asuntos más tratados incluían imágenes de trabajadores en los campos o en las fábricas, retratos de Stalin y de otras figuras de Estado, escenas históricas de la Revolución e idealizaciones de la vida doméstica. En lo estilístico, los artistas fueron animados a imitar el trabajo de Iliá Repin y otros miembros del grupo de los Vagabundos, aunque algunos emplearon un tímido impresionismo o una manera de pintar más ingenua. Uno de los exponentes favoritos del realismo socialista fue el pintor Sergei Gerasimov, quien produjo paradigmáticas imágenes tales como Fiesta en una granja colectiva (1936-1937) y Stalin y Voroshilov en el Kremlin (1938; ambas en la Galería Tretyakov de Moscú).

Después del fin de la II Guerra Mundial el realismo socialista tomó un cariz nacionalista, y las influencias extranjeras fueron especialmente criticadas. Ejemplos de este estilo académico, con énfasis en escenas históricas gloriosas, son las obras de Vladimir Serov como La entrada de Alejandro Nevski en Pskov (1945, San Petersburgo). La URSS también impuso el realismo socialista al nuevo bloque de países del Este. Sin embargo, con la muerte de Stalin en el año 1953 y el declive de su reputación bajo Nikita Jruschov, el realismo socialista se transformó en un estilo menos fuerte aunque permanecieran ecos de la estética oficial. También se extendió a China, donde fue el único estilo aceptado hasta la muerte de Mao Zedong en 1976. Con la disgregación del bloque comunista a fines de la década de 1980 el realismo socialista decayó. Pasó a ser utilizado de forma irónica en algunas obras, y a criticar el antiguo sistema comunista.

Surrealismo

Movimiento artístico y literario fundado por el poeta y crítico francés André Breton.

Breton publicó el Manifiesto surrealista en París en el año 1924 y se convirtió, acto seguido, en el líder del grupo. El surrealismo surgió del movimiento llamado Dadá, que reflejaba tanto en arte como en literatura la protesta nihilista contra todos los aspectos de la cultura occidental. Como el dadaísmo, el surrealismo enfatizaba el papel del inconsciente en la actividad creadora, pero lo utilizaba de una manera mucha más ordenada y seria.

En pintura y escultura, el surrealismo es una de las principales tendencias del siglo XX. Reivindica, como sus antecesores en las artes plásticas, a pintores como el italiano Paolo Uccello, el poeta y artista británico William Blake y al francés Odilon Redon. En el siglo XX también son admiradas, y a veces expuestas como surrealistas, ciertas obras de Giorgio de Chirico, del ruso Marc Chagall, del suizo Paul Klee y de los franceses Marcel Duchamp y Francis Picabia, así como del español Pablo Picasso, aunque ninguno de ellos formó parte del grupo. A partir del año 1924 el alemán Max Ernst, el francés Jean Arp así como el pintor y fotógrafo estadounidense Man Ray se incluyen entre sus miembros. Se unieron por un corto periodo de tiempo el francés André Masson y el español Joan Miró. Ambos pintores fueron miembros del grupo surrealista pero, demasiado individualistas para someterse a los dictados de André Breton, se desligaron del mismo en 1925. Más tarde, se incorporó el pintor franco-estadounidense Yves Tanguy, así como el belga René Magritte y el suizo Alberto Giacometti. El pintor catalán Salvador Dalí se asoció en 1930, pero después sería relegado por la mayoría de los artistas surrealistas, acusado de estar más interesado en la comercialización de su arte que en las ideas del movimiento. A pesar de ello, durante cierto tiempo fue el artista más renombrado del grupo. Su personal obra constituye una de las muestras más representativas del surrealismo.

Remedios Varo (1908-1963)

Pintora española que llegó al surrealismo de la mano de Paul Eluard y André Breton e introdujo este estilo en México.

La huida

Transito en espiral

Bordando el manto terrestre

Surrealismo en México

En la década de 1940, coincidiendo con el exilio en México de artistas españoles influidos por el surrealismo, así como la visita de Bretón, que recorrió el país acompañado de Diego Rivera y del político soviético Trotski, el movimiento se extendió de forma relativa y limitada entre círculos intelectuales mexicanos.

El Dadaismo

El dada fue un movimiento antiarte surgido en Zurich (Suiza) en 1916, que se caracterizó por gestos y manifestaciones provocadoras en las que los artistas pretendían destruir todas las convenciones con respecto al arte, creando una especie de anti-arte o rebelión contra el orden establecido.
Dada se presenta como una ideología total, como una forma de vivir y como un rechazo absoluto de toda tradición o esquema anterior. En el fondo es un antihumanismo entendiendo por humanismo la tradición anterior, tanto filosófica como artística o literaria. No por casualidad en una de sus primeras publicaciones había escrito como cabecera la siguiente frase de Descartes: «No quiero ni siquiera saber si antes de mí hubo otro hombre.»
El movimiento dadaísta es un movimiento antiartístico, antiliterario y antipoético porque cuestionan la existencia del arte, la literatura y la poesía. Por cuestionar cuestionan hasta el propio dadaísmo.

Clasisismo

Cualquier derivación del arte clásico.

Clásico

El arte de la antigüedad griega y latina, considerado como modelo de proporciones y equilibrio de las formas en escultura y arquitectura.



















Rodin, el pensador.

Constructivismo

Asi se denomina a un movimiento artístico de origen ruso.

Futurismo

En enero de 1909 el poeta italiano Filippo Tommaso Marinetti publica el Manifiesto de Fundación del Futurismo, que proclama el rechazo frontal al pasado, a la tradición y la defensa de un nuevo orden moderno, dominado por la máquina, la velocidad y la ciudad. El futurismo surgió en Milán y desde la ciudad lombarda se difundió con rapidez por algunos países de Europa, siendo en París donde se establecerá el otro núcleo de producción futurista. En 1910 se puede hablar ya de un grupo. Liderado por Marinetti trabajan artistas como los pintores Russolo, Carrà, Boccioni, Balla o Severini; el arquitecto Sant' Elia, el músico Pratella o el cineasta Ginna. Un año después, en 1911, entran en contacto directo con el cubismo, al que acusarán de ser estático en exceso. Intentaron una fusión entre los dos ismos y ese "cubofuturismo" resultante será una fórmula muy extendida por Europa. A comienzos de 1913 el Futurismo está en su esplendor, tienen incluso su propia revista, "Lacerba". El presentimiento de la Primera Guerra Mundial es saludado con entusiasmo por los futuristas que confían en que una destrucción total permita hacer tabla rasa y construir desde cero la nueva cultura occidental. Muchos de ellos se alistaron de forma voluntaria pero la guerra supondría al final del grupo: Boccioni y Sant' Elia mueren y Russolo queda inválido durante años. A comienzos de los años 20 se produce una nueva oleada de Futurismo, que se convirtió en la única alternativa al fenómeno de la "vuelta al orden" dominado en Italia con grupos como Novecento. Los integrantes del nuevo grupo son menos conocidos: Pozzo, Dottori o Dalmonte no lograron revitalizar el empuje que había tenido el Futurismo en el pasado

Academicista

Una obra artística que sigue los patrones que se enseñan o exhiben en la academia.

Calle de Gabino Barreda

1944

Óleo sobre lienzo.

101,6 x 140,9 cm.

Colección privada

Aut. Gunther Gerzso

Cubismo mexicano

Uno de los precursores del cubismo en México fue el pintor Diego Rivera, quien a travez de sus constantes viajes fue adoptando varias corrientes artisticas, realmente no fue grande el periodo en el que Rivera se dedico a pintar cuadros cubistas, otro de los pricipales expositores de este movimiento en nuestro pasi fue Gunther Gerzso, con raices centreuropeas Gerzo dedico toda su vida al arte, ya sea haciendo escenografias o pintando al oleo.

Cubismo

A aprtir de 1906, tras el Fauvismo, se empezó a imponer la estética cubista, retornando a la vía geométrica iniciada anteriormente por Cézanne.
Este movimiento se caracteriza por la descomposición de la imagen en estructuras poliédricas que reflejan simultáneamente varios puntos de vista. Es decir, reduce la figura, el espacio y el paisaje a cubos.
Supone una ruptura con las convenciones plásticas tradicionales.
Esta revolución estética fue liderada por Picaso.

Picaso

Sus inicios fueron académicos porque su padre era profesor de dibujo en una academia.
Durante su estancia en Barcelona entra en contacto con las tertulias modernistas y deduce dos cosas:
El academicismo tenía detractores.
La novedad está en París.
Marcha a París y allí empieza su trayectoria pictórica que podemos dividir en varias etapas:
Periodo azul. 1901-1904. Reacción frente al impresionismo. Presenta tipos escuálidos, infelices y dolientes en su trágica condición existencial.
Periodo rosa. 1904-1907. Abandona la melancolía y aclara su paleta. Iconografía de personajes de circo y teatros ambulantes.
Cubismo. En 1907 contrasta sus pinturas con la obra de Cézanne (observada en una exposición) y con las máscaras africanas del museo del hombre. El resultado es la pintura "Les demoiselles d'Avignon", considerada su primera obra cubista. Su etapa cubista se divide en:
Cubismo analítico. 1907-1912. Se dedica al paisaje y a la figura humana. El método es el mismo: decomponer geométricamente la forma y luego ensamblar los trozos, mostrando sus 4 planos sobre el lienzo. Pronto se da cuenta que este sistema le hace perder el contacto con la realidad y le conduce a la abstracción. En 1912 lo abandona al descubrir las posibilidades del collage.
Cubismo sintético.1912-1916. Basado en el collage que ofrece la posibilidad de incorporar a las pinturas objetos reconocibles. Un recorte de periódico permite distinguir grafías; una partitura, notas musicales. Estos elementos actuaban de contrapunto real frente a los dibujos analíticos que aplicaba sobre el soporte. Esta técnica no le satisfacía y recupera la figura humana y el color.
La crítica cree que ha abandonado el cubismo y luego ve que oo alterna con el realismo según la conveniencia del tema.
Así en 1923, pinta "El arlequín", donde obsrvamos un lenguaje clásico; en cambio en 1937 recupera el cubismo para pintar "El Guernica".

Les Demoiselles D'Avignon

A partir de este cuadro Picasso se aleja de su perido rosa y se dirige hacia una investigación revolucionaria de la forma y del espacio.
Este cuadro representa un grupo de 5 prostitutas semidesnudas de la barcelonesa calle de Avinyó, en pose exhibicionista para captar clientes.
Es la frontera entre el pasado europeo y el futuro inmediato. Es un reinterpretación radical del desnudo con referencia a las bañistas de Cézanne o incluso a las grandes composiciones de desnudos de Tiziano o Rafael. Sorprende la violenta inquietud y la despreocupación por nincún cánon de belleza.
Los cuerpos de las mujeres están descompuestos en bloques geométricos y ensamblados por una intersección de planos.
La joven sentada muestra la mismo tiempo el rostro, el pecho y la espalda, simultaneando todos los puntos de vista y quebrando las normas d ela perspectiva convencional. Este rechazo a la perspectiva será lo que distinguirá al cubismo de todos los sistemas prvios de composición basados en la perspectiva renacentista. Observamos eses rechazo en la tendencia de las superfícies sueltas a resbalar de sus posiciones naturales y deslizarse las unas contra las otras. También es patente en el tratamiento angular de la cortina rojiza de la izquierda.
No hay un espacio libre sobre el cual se hayan dispuesto las figuras; son las propias figuras, o los bloques geométricos que las componen, las que generan el espacio.
En la mujer de perfil situada a la izquierda, cuyo ojo ocupa todo el rostro se combina la escultura egipcia con las pesadas figuras de las últimas pinturas de Gauguin.
Los ojos fijos, contorneados en negro y los rasgos esquemáticos de las mujeres del centro, recuerdan las esculturas pre-romanas del Louvre que Picasso conoce tan bien.
Las figuras situadas a la derecha con las caras distorsionadas se inspiran en las tallas del arte africano.

Die Brücke

Die Brücke (el puente) es un grupo de pintores alemanes expresionistas formados en Dresde en 1905 hasta 1913. De estridentes colores, trazos caóticos y angulosos y temas llenos de ansiedad. Sus líderes serían Emil Nolde y Ernst Kirchner, entre otros. En la misma época, pero fuera del grupo, destaca el pintor expresionista austriaco Oskar Kokoschka, figura independiente cuyos personajes parecen deshilacharse en un ambiente de sombríos colores y trazos agitados.

Rayismo/Rayonismo

Movimiento artístico iniciado en Rusia, por M. Larionov y N. Goncharova en 1913. El Rayismo quedaba definido en el Manifiesto teórico como una síntesis de Cubismo, Futurismo y Orfismo. Los "rayos de colores" de Larionov, ordenados en rítmicas y dinámicas secuencias, construían el espacio pictórico; mientras que las obras de Natalia Goncharova incluían elementos y modos más afines a los futuristas italianos. Rayonismo.- Una corriente de la pintura abstracta iniciada por Mijail Larionov, en la que se pretende expresar la dinámica de la luz . Rayonismo: El cuadro debe parecer que flota en el tiempo y en el espacio, gracias a rayos de color paralelos y perpendiculares.

Orfismo

Corriente pictórica francesa que reaccionó contra la monotonía cromática del cubismo analítico. Las pinturas del matrimonio Delaunay, de formas simultáneas y vivo colorido, y con modos muy cercanos a los de los futuristas italianos y rayonistas rusos, fueron las que permitieron acuñar el término de "orfismo" a G. Apollinaire en 1912. También se debe incluir en esta tendencia al checo F. Kupka.

Neoplasticismo

Movimiento estético fundado por Piet Mondrian y Theo van Doesburg en 1917. La revista "De Stijl" fue su órgano de expresión. Sus propuestas, de gran rigor, se caracterizaron por el purismo basado en el empleo de la línea recta, los colores primarios y los "anticolores" (blanco, gris y negro).

El Fauvismo

El termino fauvismo surgió a traves de una exposición retrospectiva de artistas postimpresionistas en Páris, fauvismo se deriva de fauves que en frances quiere decir fieras, ya que para la prensa especializada de la época, la tecnica que estos artistas utilizaban para expresarse era muy burda y se alejaba mucho de la estética que se estudiaba en las academias.

El Fauvismo, liderado por Henri Matisse , continuó su curso en oposición a la rígida metodolongia del Neoimpresionismo de Seurat y Signac, y al tono de felicidad y ligereza propio de los impresionistas; también se oponía al ornamentalismo del Art Nouveau y a la evasión espiritualista del Simbolismo. Pronto se convirtió en el grupo más experimental de París al proclamar la libertad de expresión a través del popo de los colores puros, la exageración del dibujo y las perspectivas forzadas.